Coordenador dos cursos de animação explica tudo o que você precisa saber sobre a produção de uma animação
“A animação é, em sua essência, uma ilusão de ótica construída a partir da exibição sequencial de imagens que mudam gradualmente”, afirma Rodrigo Castanho, Coordenador dos cursos de Animação e Games da Panamericana Escola de Arte e Design, integrante do Grupo ESPM. A ideia registrar imagens em movimento nasceu no final dos anos 1890, quando pesquisadores começaram a estudar essa possibilidade: “O primeiro curta-metragem de que se tem notícia é uma animação no estilo do stop motion, de uma pessoa desenhando num quadro negro e o desenho ganha vida”.
Durante décadas, os filmes de animação eram em 2D, desenhados à mão, ou em stop motion. Os processos foram sendo aperfeiçoados ao longo do tempo e, hoje, a animação deriva do desenho animado, feito com 24 ou 30 quadros por segundo, métrica adotada pela maioria dos estúdios.
Com o avanço das ferramentas digitais, surgiram possibilidades de criar movimento sem a necessidade de desenhar todos os quadros, como em uma animação clássica em 2D. No campo digital, além do stop motion, a animação 2D ainda existe, mesmo que muitos estúdios invistam no 3D e estejam criando trabalhos híbridos, que misturam 2D e 3D.
Veja abaixo os passos para fazer uma animação:
1. Roteiro
A partir de uma ideia surge o roteiro, que é a história apresentada em uma narrativa clara, com começo, meio e fim. O roteiro explica o que vai ser contado e define os eventos, os arcos emocionais e a função de cada cena. Tudo isso guiará o storyboard e, depois, a produção. Mesmo em animações curtas ou técnicas, um roteiro bem estruturado evita retrabalho e permite dimensionar o projeto de acordo com a disponibilidade de tempo e dos recursos financeiros.
2. Storyboard
Com o roteiro pronto, o storyboard traduz o texto em imagem sequencial: “O storyboard é uma história em quadrinhos do roteiro”, diz Castanho. O trabalho consiste em desenhar cada take de uma cena para detalhar como a história será contada visualmente, indicando enquadramentos e cortes. Essa etapa é decisiva para planejar o ritmo, a continuidade e as necessidades de produção por cena.
3. Concept art
É o conceito visual da história: o tipo de traço, a estética, o design de personagens e cenários, texturas e a paleta de cores, entre os principais aspectos. Depois dessas definições, o trabalho se volta para o character design, que determina proporções, expressões e variações necessárias para cada personagem da animação. Se for 2D, o character design já finaliza o desenho, se a opção foi pelo 3D, faz-se a modelagem de cada personagem, cenários e objetos. Já o design de cenário foca nos fundos e objetos de cena.
4. Decisão técnica e preparação de objetos
Escolher a técnica (2D, 3D, stop motion ou híbrida) norteia a preparação dos modelos. No 3D, são feitos modelos, cenários, objetos e rigs (esqueletos de personagens). No 2D, são executados desenhos finais e separação de elementos por camada. “Existe um processo de rig aplicado tanto em 2D quanto em 3D para permitir a animação. Fazemos o esqueletinho e a partir dele criamos os movimentos para cada cena”, explica. Essa preparação facilita a continuidade e a reutilização de objetos ao longo do filme ou série.
Um dos softwares mais utilizados é o Blender. Gratuito, deu vida ao gato preto do filme Flow, vencedor do Oscar de Melhor Animação de 2024. O Blender, inclusive, permite criar animações híbridas entre 2D e 3D, como Guerreiras do Kpop, ganhador do Oscar na mesma categoria em 2026. Para animação 2D é comum o uso do Harmony, da canadense Toon Boom. “Na animação para a televisão, eu diria que 90% é feita com esse software”, aponta o professor.
5. Produção
A equipe pode ser enorme, como a dos grandes estúdios, ou com poucas pessoas. Independentemente do tamanho do time, o processo é o mesmo: aplicar princípios de timing, poses-chave e interpolação (ou quadro a quadro, conforme técnica) para dar movimento e expressão aos personagens e passar esse material para quem faz a animação.
6. Animação
A etapa de animação dá vida aos personagens e objetos a partir das orientações do storyboard. Segundo Castanho, em grandes esquipes o animador trabalha guiado por supervisores, cuja função é “cuidar para que todos façam um trabalho parecido”.
7. Montagem e pós-produção
Concluídas as cenas, a etapa seguinte é a montagem: um editor organiza as sequências segundo o storyboard e o roteiro, e literalmente monta a sequência da história. Depois vem a pós-produção visual, quando são aplicados efeitos especiais, tratamentos estéticos e correção de cor.
8. Produção sonora
A trilha sonora e a sonoplastia são fundamentais em uma animação. Castanho explica que, em trabalhos originais, o primeiro passo é fazer a gravação de voz dos atores. Isso porque a animação das personagens é feita enquanto os animadores ouvem as vozes dos atores para ajustar movimentos e microexpressões. Após a gravação, há a masterização das vozes, inserção de efeitos sonoros e mixagem com trilha musical, equilibrando voz, sons e música.
9. Finalização
Depois de pronto, o arquivo do projeto é fechado no formato para cinema, televisão ou internet, já que cada um tem codificações distintas. A exibição em diferentes plataformas exige ajustes técnicos, como mixagem e correção de cor, entre outros.
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